Den syntetiske kubismens fødsel: Picassos gitarer

I Guitars- serien av Pablo Picasso, en av skaperne av kubismen, observeres overgangen fra analytisk kubisme til syntetisk kubisme. Picasso utviklet denne serien mellom 1912 og 1914, og hans utstilling av verkene som utgjør den på Museum of Modern Art i New York i 2011 ga muligheten til å få tilgang til en bedre forståelse av en kunstnerisk bevegelse av spesiell betydning.

syntetisk kubisme

Kubisme er en forstyrrende kunstnerisk bevegelse av renessansens estetiske parametere som fortsatt var i kraft på begynnelsen av det 20. århundre. I maleriet kommer det til uttrykk i komposisjonen med geometriske former av naturbilder, mens det i poesi oversettes til vers med valgfritt rim, uten definerte metrikk, med bilder av motivet som tas opp; Guillaume Apollinaire var den poeten som representerte ham best.

Georges Braque og Pablo Picasso utviklet kubisme i billedkunsten fra 1907. Konvensjonelt perspektiv forsvinner i verkene deres og flere perspektiver observeres i de geometriske formene som utgjør bildene, samt ulike samtidige plan av samme objekt. Vi kan observere et ansikt forfra og i profil på samme tid, og objekter er ofte bare representert av en karakteristisk komponent. Fargene går gjennom dempede nyanser av grått, grønt og brunt, og senere i utviklingen av bevegelsen er ulike gjenstander inkorporert på lerretet og danner collager .

Kubismen gikk gjennom to perioder. Den første ble kalt analytisk kubisme: det ble lagt vekt på geometriske representasjoner og flere perspektiver, og farger ble relativisert. I noen verk kan det være vanskelig å identifisere figurene og det ser ut som abstrakt kunst, så det ble også kalt hermetisk kubisme. Fra 1912 utviklet syntetisk kubisme seg, der det begynte å lages collager med aviser, tapeter og andre materialer i maleriene. Farge fikk igjen en mer relevant rolle og verkene ble enklere og lettere å forstå.

Picassos gitarutstilling i New York

Fra 13. februar til 6. juni 2011 utviklet han en utstilling på Museum of Modern Art i New York kalt Picasso Guitars; 1912 – 1914 ( Picassos gitarer: 1912 – 1914 ). I dette arrangementet ble 85 verk av Pablo Picasso stilt ut, samlet fra 35 offentlige og private samlinger, der gitarer er representert i collager , tegninger, malerier og skulpturer. Den kunstneriske utstillingen dekket perioden mellom det første plastverket i serien, som representerer en gitar laget av papp og strenger laget i 1912 (figur under), og det siste laget med et metallplate i 1914.

Anne Umland og Blair Hartzell organiserte denne utstillingen. Ved åpningen av denne utstillingen erklærte Umland at det var den første utstillingen som viser Picassos gitarkonstruksjon, og satte dem i sammenheng med en stor periode med eksperimentering av kunstneren fra Malaga.

Gitarmotivet i papp fra 1912 (figur nedenfor) er enkelt, men skapelsen var ulik noe kunstverk som hadde kommet før; to år senere gjenskapte Picasso den med en metallplate. Metallet til den andre gitaren, tynn og flat, var vanlig i Paris som takmateriale, og kan ha vært grått eller svart før det ble det rustne metallet som skulpturen viste i utstillingen.

Viktigheten av gitarserien

De fleste kunsthistorikere karakteriserer Pablo Picassos gitarserie som den definitive overgangen fra analytisk kubisme til syntetisk kubisme. Gitarene hadde imidlertid en dypere betydning. Hvis alle collagene og representasjonene er nøye analysert , er det klart at Guitars- serien , som også inkluderer fioliner, krystalliserte betydningen av Picassos kubisme. Serien etablerer et repertoar av symboler som fortsatte i kunstnerens visuelle vokabular gjennom Parade- skissene fra 1917, så vel som i de kubosurrealistiske verkene på 1920-tallet.

Det er ikke kjent nøyaktig når Guitarras -serien begynte . Kollagene inkluderer avisutdrag datert november og desember 1912. Svart- hvitt -fotografier av Picassos studio på Boulevard Raspail, publisert i Les Soirées de Paris nr. 18 (november 1913), viser den kremfargede pappgitaren under konstruksjon, omgitt av tallrike collager og tegninger av gitarer og fioliner montert side om side på den ene veggen.

Picasso ga sin metallgitar fra 1914 til Museum of Modern Art i New York i 1971. På den tiden mente direktøren for seksjonen for malerier og tegninger, William Rubin, at modellen av pappgitaren (figur over) var laget fra tidlig 1912. Museet anskaffet modellen i 1973 etter Picassos død og i samsvar med kunstnerens ønske.

Under utarbeidelsen av den enorme utstillingen Picasso and Braque: Pioneering Cubism i 1989, endret William Rubin byggedatoen for modellen, og tilordnet den til oktober 1912, en dato som kunsthistorikeren Ruth Marcus er enig i. Datoen som vises på stykket, modellen, som for tiden er utstilt på Museum of Modern Art i New York, er oktober til desember 1912.

En bedre tilnærming til betydningen av Pablo Picassos gitarer kan fås gjennom platen til kunstkritikeren André Salmon.

Jeg har sett det ingen har sett før i Picassos studio (…). Spookere enn Fausts laboratorium, denne studien (som noen kanskje vil hevde var kunstløs i den konvensjonelle betydningen av begrepet) var fylt med de nyeste gjenstandene. Alle formene som omringet meg virket helt nye for meg (…) .

Noen besøkende til studioet, overrasket over tingene de så dekke veggene, nektet å kalle disse gjenstandene malerier; de var laget av oljemalt tøy, pakkepapir og avisbiter. Besøkende pekte på gjenstanden for Picassos vittige glimt og sa: «Hva er det? Setter du den på en pidestall? Henger du den på veggen? Er det maleri eller er det skulptur?» Picasso, kledd i den blå drakten til en parisisk arbeider, svarte med sin beste andalusiske stemme: «Det er ingenting. Det er gitaren!» Og det var det! De vanntette rommene til kunst kollapset. Han frigjorde oss fra maleri og skulptur, akkurat som han hadde frigjort oss fra akademiske sjangeres idiotiske tyranni. Det er ikke lenger dette eller det. Det er ingen stor sak. Det er gitaren!

André Salmon, våren 1914.

Betydningen av gitarserien

Det er to aspekter som skiller seg ut i Pablo Picassos gitarserie : det store utvalget av materialer og teknikker, og også repetisjonen av former med forskjellige betydninger i henhold til konteksten de er inkludert i. collagene _de inneholder hverdagslige og svært forskjellige elementer, som tapet, sand, brosjer, tau, etiketter, innpakninger, partiturer og aviser; bildene av de samme objektene er tegnet eller malt av kunstneren. Kombinasjonen av disse elementene brøt med den tradisjonelle praksisen til todimensjonal kunst, ikke bare når det gjelder å inkludere ydmyke materialer, men også fordi disse materialene hentydet til det vanlige livet, på gatene, i studioer og i barer. Dette samspillet mellom elementer i den virkelige verden gjenspeiles i integreringen av det imaginære av moderne hverdagsliv i vennenes avantgarde-poesi, eller det Guillaume Apollinaire kalte la nouveauté poésie (nyhetens poesi), som var en tidlig form for Popkunst..

En annen måte å forstå betydningen av gitarserien på er å undersøke repertoaret av former som dukker opp i de fleste av Picassos verk. Utstillingen på Museum of Modern Art i New York gir mulighet til å ha referanser og kontekster til verkene. Kollasjene og gitarmodellene, sett under ett, ser ut til å avsløre artistens indre konflikt, med hans kriterier og ambisjoner . Ulike symboler skilles ut for å indikere gjenstander eller deler av kroppen som migrerer fra en kontekst til en annen, og forsterker og endrer betydninger som bare har den samme konteksten som en guide.

Et eksempel er den krumlinjede siden av en gitar, som i ett verk ligner kurven til en manns øre langs det som ville vært formen på hodet hans, mens den i et annet er forlenget. I en del av collagen kan en sirkel indikere lyden av en gitar eller representasjonen av instrumentets munn; andre steder kan den også representere bunnen av en flaske. En sirkel kan være toppen av flaskens kork og samtidig ligne en topphatt som er forsiktig plassert på ansiktet til en muskuløs herre.

Å kjenne dette formrepertoaret hjelper oss å forstå synekdokene til kubismen, de små formene som indikerer hva kunstneren ønsker å formidle: her er en fiolin, her er et bord, her er et glass, og her er et menneske. Dette repertoaret av symboler som utviklet seg under analytisk kubisme ble forenklet på nye måter i perioden med syntetisk kubisme.

Betydningen av kubisme i gitarserien

Gitarmodeller som pappen fra 1912 og metallplaten fra 1914 viser tydelig de formelle aspektene ved kubismen. Som Jack Flam skrev i Cubicuo , ville en bedre betegnelse for kubisme vært «planarisme», siden kunstnere beskrev virkeligheten i form av de forskjellige ansiktene eller planene til en gjenstand: dens forside, dens bakside, dens topp, bunn, sidene; alle brikkene hans var representert på en overflate samtidig. Pablo Picasso forklarte betydningen av konstruksjonen av collagene til billedhuggeren Julio Gonzales:

Det hadde vært nok å kutte dem – farger er tross alt ikke annet enn indikasjoner på forskjeller i perspektiv, på skråplan på en eller annen måte – og deretter sette dem sammen i henhold til indikasjonene som fargen gir, for så å møte dem som en» skulptur .»

Konstruksjonen av gitarmodellene skjedde mens Picasso jobbet med collagene. Overflatemonterte planer ble projiserte plan som dukket opp fra veggen i et tredimensjonalt arrangement utfoldet i rommet. Picassos kunstrepresentant på den tiden, Daniel-Henri Kahnweiler, hevdet at konstruksjonen av gitarene var basert på Grebo-maskene (utskårne masker av afrikansk kunst) som Picasso hadde anskaffet i august 1912. Disse tredimensjonale gjenstandene representerer øynene. sylindre som stikker ut fra den flate overflaten av masken; I Picassos pappgitarmodell fra 1912 (forrige figur) kan du se representasjonen av lyden som kommer ut av munnen på instrumentet som en sylinder som rager ut fra gitarkroppen.

Et annet element som har blitt utledet fra analysen av verkene hans er Pablo Picassos opptegnelse over moderne leker, slik André Salmon hevder i La jeune sculpture français : en liten tinnfisk hengt opp i en sirkel av tinntape representerte fisken som svømte i fiskeskålen hans.

Skulpturen og serien Gitarer

Konstruksjonen av Pablo Picassos gitarmodeller brøt med strukturen til konvensjonell skulptur. Allerede i hans Head of a Woman (Fernande) , et verk fra 1909, representerer en serie sammenhengende fly fulle av sprekker og ruhet håret og ansiktet til kvinnen Picasso elsket på den tiden, Fernande Olivier. Disse planene er plassert på en slik måte at de maksimerer refleksjonen av lys fra visse overflater, i likhet med de lysopplyste planene i kubistiske malerier fra den analytiske perioden. Disse opplyste flatene blir fargede flater i collagene .

Konstruksjonen av pappgitarmodellen er basert på strukturering av planer. Den er sammensatt av bare 8 deler (se forrige figur): den samtidige for- og baksiden av gitaren, en boks for kroppen, lydhullet, halsen (som buer oppover som en langstrakt kanal), en trekant som peker ned til angi hodet på gitaren og et kort papir brettet i nærheten av trekanten tredd med gitarstrenger. De vanlige strengene plassert vertikalt representerer gitarstrengene og sideveis (på en komisk droppet måte) representerer gitarbåndene. Et halvsirkelformet stykke, festet til den nedre delen av modellen, representerer stedet for et bord for gitaren.

Gitarmodellen i papp og gitarmodellen i metall ser ut til å representere instrumentets indre og ytre samtidig.

Kilder

MoMA-utstillingen utforsker Picassos gitarskulpturer og hans eksperimentelle praksis fra 1912 til 1914 | New York | 1F MEDIEPROSJEKT .

Penrose, Roland. Picassos liv og virke . Tredje utgave, 1981.

Ramirez Dominguez, Juan Antonio. kubisme . I kunsthistorie , Anaya Editions, Madrid, 1986.