Tabla de Contenidos
입체파의 창시자 중 한 명인 파블로 피카소의 기타 시리즈 에서는 분석적 입체파에서 합성적 입체파로의 전환을 관찰합니다. 피카소는 1912년에서 1914년 사이에 이 시리즈를 개발했으며 2011년 뉴욕 현대 미술관에서 이 시리즈를 구성하는 작품 전시회를 통해 특별한 의미가 있는 예술 운동을 더 잘 이해할 수 있는 기회를 제공했습니다.
합성 입체파
큐비즘은 20세기 초에 여전히 유효한 르네상스 미적 매개변수의 파괴적인 예술 운동입니다. 회화에서 그것은 자연 이미지의 기하학적 형태로 구성으로 표현되는 반면, 시에서는 정의된 메트릭 없이 선택적인 운율이 있는 시로 번역되며 주제의 이미지가 언급됩니다. 그를 가장 잘 표현한 시인은 기욤 아폴리네르였다.
조르주 브라크와 파블로 피카소는 1907년부터 시각예술 분야에서 큐비즘을 발전시켰다. 이들의 작품에서는 기존의 원근법이 사라지고, 이미지를 구성하는 기하학적 형태와 같은 대상에 대한 다양한 동시 평면에서 다중적 원근법이 관찰된다. 우리는 얼굴을 정면과 옆에서 동시에 관찰할 수 있으며, 물체는 어떤 특징적인 구성 요소로만 표현되는 경우가 많습니다. 색상은 회색, 녹색 및 갈색의 음소거된 음영을 거치며 나중에 운동의 전개 과정에서 다양한 물체가 캔버스에 통합되어 콜라주를 형성합니다 .
큐비즘은 두 시기를 거쳤습니다. 첫 번째는 분석적 큐비즘(analytical cubism)이라고 불렸습니다. 기하학적 표현과 다양한 관점을 강조하고 색상을 상대화했습니다. 어떤 작품에서는 인물을 식별하기 어려울 수 있고 추상미술처럼 보여서 밀폐형 큐비즘이라고도 한다. 1912년부터 합성 큐비즘이 발전하여 신문 조각, 벽지 및 기타 재료를 그림에 통합하여 콜라주를 만들기 시작했습니다. 색상은 더 관련성 있는 역할을 되찾았고 작품은 더 단순해지고 이해하기 쉬워졌습니다.
피카소의 뉴욕 기타 전시회
2011년 2월 13일부터 6월 6일까지 그는 뉴욕 현대 미술관에서 Picasso Guitars라는 전시회를 열었습니다. 1912 – 1914 ( 피카소의 기타: 1912 – 1914 ). 이 행사에서는 파블로 피카소의 작품 85점이 전시되었으며, 35개의 공공 및 개인 컬렉션에서 기타가 콜라주 , 그림, 그림 및 조각으로 표현되었습니다. 예술 전시회는 1912년에 판지와 줄로 만든 기타를 나타내는 시리즈의 첫 번째 플라스틱 작품(아래 그림)과 1914년 금속판으로 만든 마지막 작품 사이의 기간을 다루었습니다.
Anne Umland와 Blair Hartzell이 이 전시회를 기획했습니다. 이번 전시회의 개막식에서 Umland는 피카소의 기타 구성을 보여주는 첫 번째 전시회라고 선언하여 말라가 출신 예술가의 위대한 실험 기간의 맥락에 넣었습니다.
1912년 카드보드 기타 모티프(아래 그림)는 단순하지만 이전에 나온 예술 작품과는 달랐습니다. 2년 후, 피카소는 금속판으로 그것을 재창조했습니다. 얇고 평평한 두 번째 기타의 금속은 파리에서 지붕 재료로 흔히 사용되었으며, 전시회에서 조각품이 선보인 녹슨 금속이 되기 전에는 회색 또는 검은색이었을 수 있습니다.
Guitars 시리즈 의 중요성
대부분의 미술사학자들은 파블로 피카소의 기타 시리즈를 분석적 입체파에서 합성적 입체파로의 결정적인 전환점으로 특징짓습니다. 그러나 기타에는 더 깊은 의미가 있었습니다. 모든 콜라주 와 표현을 면밀히 분석 하면 바이올린도 포함된 Guitars 시리즈가 피카소의 큐비즘의 의미를 구체화한 것이 분명합니다. 이 시리즈는 1917년의 Parade 스케치 와 1920년대 Cubo-Surrealist 작품을 통해 예술가의 시각적 어휘에서 계속되는 상징의 레퍼토리를 확립합니다 .
Guitarras 시리즈가 언제 시작되었는지는 정확히 알 수 없습니다 . 콜라주 에는 1912년 11월과 12월의 신문 스니펫이 포함되어 있습니다. Les Soirées de Paris No. 18 (1913년 11월) 에 게재된 Boulevard Raspail에 있는 Picasso 스튜디오의 흑백 사진은 건설 중인 크림색 판지 기타를 보여줍니다. 한 벽에 나란히 설치된 기타와 바이올린의 수많은 콜라주 와 그림.
Picasso는 1971년에 자신의 1914년 금속 기타를 뉴욕 현대 미술관에 기증했습니다. 당시 회화 및 소묘 부문 책임자인 William Rubin은 모델 카드보드 기타(위 그림)가 초기부터 만들어졌다고 믿었습니다. 1912. 박물관은 피카소가 사망한 후 예술가의 희망에 따라 1973년에 모델을 인수했습니다.
1989년 대규모 전시회 Picasso and Braque: Pioneering Cubism in 1989 를 준비하는 동안 William Rubin은 모델의 제작 날짜를 미술사학자 Ruth Marcus가 동의한 1912년 10월로 지정했습니다. 현재 뉴욕 현대미술관에 전시되어 있는 이 모형에 표시된 날짜는 1912년 10월부터 12월까지입니다.
파블로 피카소 기타의 의미에 대한 더 나은 접근은 미술 평론가 André Salmon의 기록을 통해 얻을 수 있습니다.
나는 피카소의 작업실에서 아무도 본 적이 없는 것을 보았다(…). 파우스트의 실험실보다 더 무시무시한 이 연구(어떤 사람들은 용어의 전통적인 의미에서 예술이 아니라고 주장할 수도 있음)에는 최신 인공물이 가득 차 있었습니다. 나를 둘러싼 모든 형태들이 나에게는 완전히 새로워 보였다(…) .
스튜디오를 찾은 일부 방문객들은 벽을 덮고 있는 것을 보고 놀란 나머지 이러한 물건을 회화라고 부르기를 거부했습니다. 그들은 기름 칠한 천, 포장지, 신문지 조각으로 만들어졌습니다. 방문객들은 피카소의 재치 있는 반짝임의 대상을 가리키며 “이게 뭐지? 받침대에 올려놓나요? 벽에 걸어두나요? 회화입니까 아니면 조각입니까?» 파리 노동자의 파란색 옷을 입은 피카소는 최고의 안달루시아 목소리로 이렇게 대답했습니다. 기타야!” 그리고 그게 다야! 예술의 방수 구획이 무너졌습니다. 그는 우리를 학문적 장르의 멍청한 횡포에서 해방시켰던 것처럼 회화와 조각에서 우리를 해방시켰다. 더 이상 이것저것이 아닙니다. 별거 아니야. 기타야!
André Salmon, 1914년 봄.
Guitars 시리즈 의 의미
파블로 피카소의 기타 시리즈 에서 두드러지는 두 가지 측면 이 있다. 재료와 기법의 다양성, 그리고 그것이 포함된 맥락에 따라 다른 의미를 지닌 형태의 반복이다. 콜라주 _그들은 벽지, 모래, 브로치, 로프, 라벨, 포장지, 악보 및 신문 조각과 같은 일상적이고 매우 다른 요소를 통합합니다. 같은 사물의 이미지는 작가가 그리거나 그린 것입니다. 이러한 요소들의 결합은 단순한 재료를 통합한다는 점에서 뿐만 아니라 이러한 재료가 거리, 스튜디오 및 술집에서의 일상 생활을 암시하기 때문에 2차원 예술의 전통적인 관행을 깨뜨렸습니다. 이러한 현실 세계 요소의 상호 작용은 현대 일상 생활의 상상을 그의 친구들의 아방가르드 시에 통합하거나 Guillaume Apollinaire가 la nouveauté poésie(새로움의 시)라고 불렀던 것에서 반영 됩니다 . 팝아트..
기타 시리즈 의 의미를 이해하는 또 다른 방법은 대부분의 피카소 작품에 나타나는 도형의 레퍼토리를 조사하는 것입니다. 뉴욕현대미술관의 전시는 작품의 맥락과 참고자료를 접할 수 있는 기회를 제공한다. 함께 보이는 콜라주 와 기타 모델은 작가의 기준과 야망이 담긴 내면의 갈등을 드러내는 듯하다 . 하나의 맥락에서 다른 맥락으로 이동하는 대상이나 신체의 일부를 나타내기 위해 다양한 기호가 구별되며, 동일한 맥락을 가이드로 하여 의미를 강화하고 변경합니다.
예를 들어 기타의 곡선형 측면이 있는데, 어떤 작품에서는 머리 모양을 따라 사람 귀의 곡선과 비슷하지만 다른 작품에서는 길어집니다. 콜라주 의 한 부분에서 원은 기타 소리 또는 악기 입의 표현을 나타낼 수 있습니다. 다른 곳에서는 병 바닥을 나타낼 수도 있습니다. 원은 병 코르크의 상단이 될 수 있으며 동시에 근육질 신사의 얼굴에 조심스럽게 놓인 실크 모자와 비슷합니다.
이 형태의 레퍼토리를 알면 큐비즘의 제유법, 예술가가 전달하고자 하는 것을 나타내는 작은 형태를 이해하는 데 도움이 됩니다. 여기 바이올린, 여기 탁자, 여기 유리잔, 여기 인간이 있습니다. Analytical Cubism 동안 발전한 이 기호 레퍼토리는 종합적 입체파 시대에 새로운 방식으로 단순화되었습니다.
Guitars 시리즈 에 나타난 큐비즘의 의미
1912년의 카드보드 모델과 1914년의 판금 모델과 같은 기타 모델은 큐비즘의 형식적 측면을 여실히 보여줍니다. Jack Flam이 Cubicuo 에서 썼듯이 큐비즘에 대한 더 나은 용어는 “평면주의”였을 것입니다. 그의 모든 작품은 표면에 동시에 표현되었습니다. Pablo Picasso는 조각가 Julio Gonzales에게 콜라주 구성의 의미를 설명했습니다.
색은 결국 원근법의 차이, 이런저런 경사면의 표시에 지나지 않습니다. 그런 다음 색상이 나타내는 표시에 따라 조합하고 마주보는 것으로 충분했을 것입니다. 하나의» 조각으로 .”
기타 모델의 구성은 Picasso가 콜라주 작업을 하는 동안 발생했습니다 .. 표면 장착 계획은 공간에서 펼쳐지는 3차원 배열로 벽에서 나오는 투영된 평면이 되었습니다. 당시 피카소의 예술 대표자인 다니엘 앙리 칸바일러는 기타의 구성이 1912년 8월 피카소가 획득한 그레보 마스크(아프리카 예술의 조각된 마스크)를 기반으로 한다고 주장했습니다. 마스크의 평평한 표면으로부터 돌출하는 실린더; Picasso의 1912년 카드보드 기타 모델(이전 그림)에서 악기의 입에서 나오는 소리를 기타 본체에서 돌출하는 실린더로 표현한 것을 볼 수 있습니다.
그의 작품 분석에서 추론된 또 다른 요소는 André Salmon이 La jeune 조각 français 에서 주장한 것처럼 Pablo Picasso의 현대 장난감 기록입니다 .
조각과 기타 시리즈
파블로 피카소의 기타 모델 구조는 기존의 조각 구조를 깨뜨렸습니다. 이미 그의 1909년 작품 인 <페르낭드> 에서 갈라진 틈과 거칠기로 가득 찬 일련의 연속된 면들은 피카소가 그 당시 사랑했던 여성 페르낭드 올리비에의 머리카락과 얼굴을 나타냅니다. 이 평면은 분석 기간의 입체파 그림에서 빛이 비추는 평면과 유사하게 특정 표면에서 빛의 반사를 최대화하는 방식으로 배치됩니다. 이러한 조명 표면은 콜라주 에서 색상 표면이 됩니다 .
골판지 기타 모델의 구성은 계획의 구조화를 기반으로 합니다. 8개의 부품으로만 구성되어 있습니다(이전 그림 참조): 기타의 전면과 후면, 바디용 박스, 사운드 홀, 넥(길쭉한 채널처럼 위쪽으로 구부러짐), 아래쪽을 가리키는 삼각형 기타의 머리 부분과 기타 줄로 연결된 삼각형 근처에 접힌 짧은 종이를 나타냅니다. 수직으로 배치된 공통 현은 기타 현을 나타내고 측면(우스꽝스럽게 떨어뜨린 방식으로)은 기타 프렛을 나타냅니다. 모델 하단에 부착된 반원형 조각은 기타용 테이블 위치를 나타냅니다.
판지 기타 모델과 판금 기타 모델은 악기의 내부와 외부를 동시에 나타내는 것 같습니다.
출처
피카소의 기타 – RT , 2011.
MoMA 전시회는 1912년부터 1914년까지 피카소의 기타 조각품과 그의 실험적 관행을 탐구합니다 | 뉴욕 | 1F 미디어 프로젝트 .
펜로즈, 롤랜드. 피카소의 생애와 작품 . 제3판, 1981.
라미레즈 도밍게즈, 후안 안토니오. 큐비즘 _ In Art History , Anaya Editions, 마드리드, 1986.
