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“형태”라는 용어는 예술에서 다른 의미를 가질 수 있습니다. 그것은 예술의 7가지 요소 중 하나이며 공간의 3차원 물체를 설명합니다. 조금 더 깊이 들어가면 예술 작품의 “형식적 분석”은 그 요소와 원리가 관찰자에게 생성할 수 있는 의미와 느낌 또는 생각에 관계없이 어떻게 결합되는지를 설명합니다. 모양은 금속 조각이나 유화와 같은 예술 작품의 물리적 특성을 설명하는 데에도 사용됩니다.
“예술”이라는 단어와 함께 “예술 형식”으로 사용될 때 순수 예술에 속하는 것으로 인식되는 예술적 표현 매체 또는 그것을 수준으로 끌어 올릴만큼 매우 잘, 능숙하거나 창의적으로 수행되는 비 전통적인 매체를 의미 할 수도 있습니다. 예술의. 순수 예술의.
모양과 예술
예술의 요소는 일반적으로 예술의 원리와 결합하여 교육 및 분석에 사용되는 예술 작품의 구성 요소 집합입니다.
형태는 예술의 7대 요소 중 하나이며 예술가가 예술 작품을 만들기 위해 사용하는 시각적 도구입니다. 예술 작품에는 형태 외에도 선, 도형, 색조, 색상, 질감 및 공간이 포함되어 있습니다.
예술의 요소로서 형태는 평면적이고 평면적인 도형(기하학적 또는 유기적)과 달리 길이, 너비, 높이가 있는 입체적이며 부피를 포함하는 것을 내포한다. 모양은 3차원으로 구성되며 그림과 같이 기하학적이거나 유기적일 수 있습니다.
기하 도형은 정확하고 수학적 도형이며 구, 정육면체 , 피라미드, 원뿔 또는 원기둥과 같은 기본 기하 도형의 이름을 따서 명명할 수 있습니다 . 원은 3차원에서 구가 되고, 정사각형은 입방체가 되고, 삼각형은 피라미드가 됩니다. 그것들은 행성, 거품 또는 눈송이의 결정 패턴에서도 볼 수 있지만 우리 주변의 건축 및 구조물에서 가장 자주 발견됩니다.
유기적 형태는 자유롭게 흐르고 구부러지고 섬유질이며 대칭이 아니며 측정하거나 목록화하기가 쉽지 않습니다. 꽃, 가지, 잎, 웅덩이, 구름, 동물, 사람의 모습 등 자연에서 가장 흔하게 발견되며 건물에서도 볼 수 있다. -1926), 뿐만 아니라 많은 조각품에서.
조각품의 모양
형태는 3차원 예술 유형이며 전통적으로 형태와 색상 및 질감을 통합했기 때문에 조각과 가장 밀접하게 연결되어 있습니다 . 3차원 형상은 다양한 각도에서 볼 수 있습니다. 전통적으로 모양은 모든면에서 볼 수 있었고 원형 조각품이라고 불렀습니다. 조각된 요소가 단단한 배경에 붙어 있는 부조와 달리; 저부조, 고부조, 가라앉은 부조가 그것이다. 역사적으로 조각품은 영웅이나 신을 기리기 위해 누군가의 모습으로 만들어졌습니다.
20세기에는 열린 형태와 닫힌 형태의 개념이 결합되어 조각의 의미가 확장되었고 오늘날에도 그 의미는 계속해서 확장되고 있다. 조각품은 더 이상 정적인 형태, 돌에 새기거나 청동으로 주조한 단단하고 불투명한 덩어리가 아닙니다. 오늘날의 조각은 추상적이거나, 다양한 물체로 만들어지거나, 이동하거나, 시간이 지남에 따라 변화하거나, 유명한 예술가 Jame Turrel의 작품과 같이 빛이나 홀로그램과 같은 색다른 재료로 만들어질 수 있습니다.
조각품은 닫힌 형태와 열린 형태로 상대적인 용어로 특징지을 수 있습니다. “닫힌 형태”는 단단하고 불투명한 덩어리를 가진 전통적인 형태와 유사한 구조를 가지고 있습니다. 형태 안에 공간이 존재하더라도 그것들은 포함되고 제한되며, 환경과 격리된 채 형태 자체를 내부로 향하는 초점을 갖는다. “열린 형태”는 투명하고 구조를 드러내므로 환경과 보다 유동적이고 역동적인 관계를 갖습니다.
네거티브 공간은 주요 구성 요소이며 개방형 조각의 활성화 력을 가지고 있습니다. Pablo Picasso(1881-1973), Alexander Calder(1898-1976), Julio González(1876-1942)는 와이어 및 기타 재료로 만든 개방형 조각품을 만든 예술가 중 일부입니다.
영국의 위대한 예술가 Henry Moore(1898-1986)와 Barbara Hepworth(1903-1975)는 영국의 현대 미술에서 가장 중요한 두 조각가였으며, 둘 다 생체 형태의 조각(생물 = 생명 , 형태 = 모양).
그녀는 1931년에 그렇게 했고 그는 1932년에 “심지어 공간도 모양을 가질 수 있다”고 “구멍은 단단한 덩어리만큼 모양에서 많은 의미를 가질 수 있다”고 언급했습니다.
드로잉과 페인팅의 모양
드로잉과 페인팅에서 3차원 형태의 환상은 빛과 그림자의 사용, 강도와 색조 의 표현을 통해 전달됩니다 . 모양은 물체의 외부 윤곽으로 정의되며, 이는 우리가 처음 물체를 인식하고 이해하기 시작하는 방법이지만 빛과 색상은 물체 모양과 공간의 맥락을 부여하여 물체를 완전히 식별할 수 있도록 도와줍니다.
예를 들어 단일 광원이 구를 비추는 경우 강조 표시된 점은 광원이 직접 닿는 곳이고 중간 강도는 빛이 직접 닿지 않는 구의 중심 색상이며 코어 그림자는 빛이 전혀 입사되지 않고 구의 가장 어두운 부분인 구체, 드리워진 그림자는 물체가 빛을 차단하는 주변 표면의 영역이며, 반사 조명은 다시 반사되는 빛입니다. 주변 물체와 표면에서 물체에. 이러한 빛과 그림자의 유희를 통해 간단한 모양을 그리거나 칠하여 3차원 모양의 착시를 만들 수 있습니다.
색조 대비 가 클수록 3차원 모양이 더 뚜렷해지며 색조 변화가 적은 모양이 대비가 높은 모양보다 더 납작하게 나타납니다.
역사적으로 회화는 형태와 공간의 평면적 표현에서 형태와 공간의 3차원적 표현, 그리고 추상화로 옮겨갔다. 이집트 그림은 인간의 형태가 정면으로 표현되었지만 머리와 발이 옆으로 보이는 평면이었습니다. 형태의 환상은 원근법의 발견과 함께 르네상스 시대까지 발전하지 않았습니다. Caravaggio(1571-1610)와 같은 바로크 미술가들은 빛과 어둠 사이의 강한 대비인 명암법을 사용하여 공간, 빛, 경험한 3차원 형태의 본질을 탐구했습니다. 그런 다음 인간 형태의 묘사는 명암과 원근법으로 훨씬 더 역동적이 되어 형태에 견고함과 무게감을 부여하여 강력한 드라마 감각을 만들어 냈습니다.
모더니즘은 예술가들이 좀 더 추상적인 방식으로 형태를 가지고 놀 수 있도록 해주었습니다. 큐비즘을 발명한 피카소와 같은 예술가들은 운동을 공간과 시간과 연관시키는 것을 암시하는 형식주의를 깨뜨렸습니다.
예술 작품
예술 작품을 분석할 때 우리는 분석이 형식적이며 내용이나 맥락과 무관하다는 것을 깨닫습니다. 형식적 분석이란 시각적 효과를 평가하기 위해 예술의 요소와 원리를 사용하는 것을 의미합니다. 형식 분석은 내용, 작품의 본질, 예술가의 의미와 의도를 강화하는 데 도움이 되는 구성의 결정을 드러내고 역사적 맥락에 대한 단서를 제공할 수 있습니다.
예를 들어, 모나리자 (Leonardo da Vinci, 1517), The Creation of Adam (Michelangelo, 1512), The Last와 같은 르네상스 시대의 가장 중요하고 지속적인 작품이 불러일으키는 신비, 공포, 초월의 감정은 만찬 (Leonardo da Vinci, 1498)은 선, 색상, 공간, 형태, 대비, 강조, 효과 및 시간을 초월한 조건과 같은 구성의 다양한 요소와 형식적 원리로 구성되며 작가가 그림을 만드는 데 사용하고 그 구성 요소를 구성합니다. 의미.
출처
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- 조각 예술 , 예술 백과사전, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
- 삶의 구멍 , 테이트 미술관, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
- 바바라 헵워스 대 헨리 무어 , CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
- 안토니 가우디의 작품 , http://whc.unesco.org/en/list/320
- 헨리 무어 재단 , https://www.henry-moore.org
- 바바라 헵워스 , https://barbarahepworth.org.uk
- 제임스 터렐 , http://jamesturrell.com
