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「フォーム」という用語は、アートではさまざまな意味を持ちます。アートの 7 つの要素の 1 つであり、空間内の 3 次元のオブジェクトを表します。もう少し深く掘り下げると、芸術作品の「正式な分析」は、その要素と原則がどのように組み合わされるかを説明します。それらの意味や、それらが観察者に生み出す可能性のある感情や思考に関係なく. 形状は、金属彫刻や油絵などの芸術作品の物理的性質を表すためにも使用されます。
「芸術形式」としての「芸術」という言葉と組み合わせて使用される場合、それはまた、芸術に属すると認識される芸術的表現の媒体、またはそれをレベルに引き上げるのに十分なほど巧みに、または創造的に非常にうまく行われた型にはまらない媒体を意味することもあります。芸術の. 美術の.
形と芸術
芸術の要素は、芸術の原則と組み合わせて、通常、その教育と分析に使用される芸術作品の構成要素のセットです。
フォームは芸術の 7 つの要素の 1 つであり、アーティストが芸術作品を作成するために使用する視覚的ツールです。芸術作品には、形に加えて、線、図形、色調、色、 質感、空間が含まれます。
芸術の要素として、フォルムは立体的でボリュームを含み、長さ、幅、高さを持つものを暗示しますが、平らで二次元である図 (幾何学的または有機的) とは異なります。形状は 3 次元で構成され、図形のように、幾何学的または有機的なものにすることができます。
幾何学的形状は正確な数学的形状であり、基本的な幾何学的形状 (球体、立方体、ピラミッド、円錐、または円柱)にちなんで名付けることができます。円は 3 次元では球体になり、正方形は立方体になり、三角形はピラミッドになります。それらは、私たちの周りの建築物や建造物に最も頻繁に見られますが、惑星の球体、泡、または雪片の結晶パターンにも見られます.
有機的な形とは、自由に流れ、曲がって繊維状であり、対称的ではないものであり、測定やカタログ化が容易ではありません. 花、枝、葉、水たまり、雲、動物、人物などの形で自然界に最もよく見られ、建物にも見られます. スペインの建築家アントニ・ガウディ（1852）による印象的で贅沢な-1926)、多くの彫刻で。
彫刻の形
フォルムは、立体的なタイプの芸術であり、伝統的にフォルムと色や質感を統合しているため、彫刻と最も密接に結びついています。三次元形状は、さまざまな角度から見ることができます。従来、形は四方から見ることができ、丸い彫刻と呼ばれていました。彫刻された要素が無地の背景に取り付けられたままのレリーフとは異なります。これらは、浅浮き彫り、高浮き彫り、沈んだ浮き彫りです。歴史的に、彫刻は英雄や神に敬意を表して誰かに似せて作られていました。
20世紀には、開いた形と閉じた形の概念を取り入れることで彫刻の意味が拡大され、今日もその意味は拡大し続けています. 彫刻はもはや、石に彫られた、またはブロンズで鋳造された、静的な形、固体、不透明な塊ではありません. 今日の彫刻は抽象的で、さまざまなオブジェクトから作成されたり、移動したり、時間とともに変化したり、有名な芸術家ジェイム・タレルの作品のように、光やホログラムなどの型にはまらない素材で作成されたりします。
彫刻は、閉じた形または開いた形として相対的に特徴付けることができます。「閉じた形」は、従来の形と同様の構造を持ち、固体で不透明な塊があります。形態の中に空間が存在するとしても、それらは封じ込められ閉じ込められており、環境から切り離された形態そのものに焦点を当てています。「オープン フォーム」は透明であり、その構造を明らかにするため、環境とより流動的でダイナミックな関係を持ちます。
ネガティブスペースが主な構成要素であり、オープンエンドの彫刻の活性化力を持っています. パブロ ピカソ (1881 ～ 1973 年)、アレクサンダー カルダー (1898 ～ 1976 年)、フリオ ゴンザレス (1876 ～ 1942 年) は、ワイヤーやその他の素材で作られた開放型の彫刻を作成したアーティストの一部です。
英国の偉大な芸術家、ヘンリー・ムーア (1898-1986) とバーバラ・ヘップワース (1903-1975) は、現代美術の最も重要な英国の彫刻家であり、どちらも生物形態の彫刻 (生物 =生命、モルフィック=形）。
彼女は 1931 年に、彼は 1932 年に、「空間でさえ形を持つことができる」こと、そして「穴はその形に固体の塊と同じくらいの意味を持つことができる」ことに注目しました。
ドローイングとペインティングにおける形状
ドローイングとペインティングでは、光と影の使用、および強度と色調の表現を通じて、立体的な形の錯覚が伝えられます。形状は、オブジェクトの外側の輪郭によって定義されます。これは、最初にそれを認識して意味を理解し始める方法ですが、光と色は、オブジェクトの形状と空間内のコンテキストを与えて、オブジェクトを完全に識別できるようにするのに役立ちます.
たとえば、単一の光源が球を照らすと仮定すると、ハイライトされたポイントは光源が直接当たる場所、中間強度は球の中心の色相、光が直接当たらない場所、コア シャドウは光がまったく入射しない球体で、球体の最も暗い部分です。キャスト シャドウは、オブジェクトが光をブロックする周囲の表面の領域であり、反射された照明は、再び反射される光です。オブジェクト上、周囲のオブジェクトおよびサーフェスから。これらの光と影の遊びにより、単純な形を描いたりペイントしたりして、立体的な形の錯覚を作り出すことができます。
色相のコントラストが大きいほど、3 次元形状がより顕著になり、色相の変化が少ない形状がレンダリングされた形状は、より高いコントラストでレンダリングされた形状よりも平らに見えます。
歴史的に、絵画は形と空間の平面的な表現から、形と空間の立体的な表現、そして抽象化へと移行してきました。エジプトの絵画は平らで、人間の形は正面に描かれていますが、頭と足は横に描かれています。形の錯覚は、遠近法が発見されたルネッサンスまで発展しませんでした。カラヴァッジョ (1571-1610) などのバロック芸術家は、空間や光の性質を探求し、明暗法 (光と闇の強いコントラスト) を使用して立体的な形を体験しました。その後、人の形の描写は明暗法と遠近法によってよりダイナミックになり、形に立体感と重量感を与え、力強いドラマ感を生み出しました。
モダニズムはアーティストを解放し、より抽象的な方法でフォームを操作できるようにしました。ピカソのようなアーティストは、キュービズムを発明し 、動きを空間と時間に関連付けるという形式主義を破りました。
芸術作品
芸術作品を分析するとき、分析は形式的であり、その内容や文脈とは無関係であることに気付きます。正式な分析とは、芸術の要素と原則を使用してその視覚効果を評価することを意味します。正式な分析は、内容、作品の本質、アーティストの意味と意図を強化するのに役立つ構成の決定を明らかにするだけでなく、歴史的背景についての手がかりを与えることができます.
たとえば、モナリザ （ レオナルド・ダ・ヴィンチ、1517年）、 アダムの創造 （ミケランジェロ、1512年）、ラスト晩餐 (レオナルド・ダ・ヴィンチ、1498年) は、線、色、空間、形、コントラスト、強調、効果、アーティストが絵画を作成するために使用し、それを構成する時代を超越した条件など、さまざまな要素と構成の形式的な原則から構成されています。意味。
ソース
- Form、テート美術館、http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
- 彫刻の芸術、百科事典、 http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
- 命の穴、テート美術館、 http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
- バーバラ・ヘップワース対ヘンリー・ムーア、CultureWhisper、 https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
- アントニ・ガウディの作品、 http://whc.unesco.org/en/list/320
- ヘンリー・ムーア財団、https://www.henry-moore.org
- バーバラ・ヘップワース、 https://barbarahepworth.org.uk
- ジェームズ・タレル、http://jamesturrell.com
