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Il termine “forma” può significare cose diverse nell’arte: è uno dei sette elementi dell’arte e descrive un oggetto tridimensionale nello spazio. Se andiamo un po’ più a fondo, l'”analisi formale” di un’opera d’arte descrive come i suoi elementi e principi si uniscono, indipendentemente dal loro significato e dai sentimenti o pensieri che possono generare nell’osservatore. La forma è anche usata per descrivere la natura fisica dell’opera d’arte, come una scultura in metallo o un dipinto ad olio.
Se usato in congiunzione con la parola “arte” come “forma d’arte”, può anche significare un mezzo di espressione artistica riconosciuto come appartenente alle belle arti o un mezzo non convenzionale fatto molto bene, abilmente o creativamente abbastanza da elevarlo al livello d’arte delle belle arti.
forma e arte
Gli elementi dell’arte sono l’insieme dei componenti di un’opera d’arte normalmente utilizzati nel suo insegnamento e analisi, in combinazione con i principi dell’arte.
La forma è uno dei sette elementi dell’arte, che sono gli strumenti visivi che un artista utilizza per realizzare un’opera d’arte. Oltre alla forma, un’opera d’arte contiene linee, figure, toni, colori, trame e spazi.
Come elemento dell’arte, la forma connota qualcosa che è tridimensionale e contiene volume, avendo lunghezza, larghezza e altezza, a differenza della figura (geometrica o organica), che è piatta, bidimensionale. Una forma è composta da tre dimensioni e, come le figure, può essere geometrica o organica.
Le forme geometriche sono forme matematiche precise e possono prendere il nome dalle forme geometriche di base: sfera, cubo , piramide, cono o cilindro. Un cerchio diventa una sfera in tre dimensioni, un quadrato diventa un cubo, un triangolo diventa una piramide. Si trovano più frequentemente nell’architettura e nelle costruzioni che ci circondano, sebbene possano essere visti anche nelle sfere dei pianeti, nelle bolle o nel disegno cristallino dei fiocchi di neve.
Le forme organiche sono quelle che scorrono liberamente, sono curve e fibrose e non sono simmetriche, non facili da misurare o catalogare. Si trova più spesso in natura, ad esempio sotto forma di fiori, rami, foglie, pozzanghere, nuvole, animali e figure umane, e può anche essere visto su edifici. Colpisce e stravagante dall’architetto spagnolo Antoni Gaudí (1852 -1926), così come in molte sculture.
La forma nella scultura
La forma è più strettamente legata alla scultura, in quanto è un tipo di arte tridimensionale e ha tradizionalmente integrato la forma con il colore e la consistenza . Le forme tridimensionali possono essere visualizzate da diverse angolazioni; convenzionalmente le forme potevano essere viste da tutti i lati, erano chiamate sculture rotonde. A differenza dei rilievi in cui gli elementi scolpiti rimangono attaccati a un fondo pieno; questi sono bassorilievi, altorilievi e rilievi incassati. Storicamente, le sculture venivano realizzate a somiglianza di qualcuno, in onore di un eroe o di un dio.
Nel XX secolo il significato di scultura è stato ampliato incorporando il concetto di forme aperte e chiuse, significato che continua ad espandersi ancora oggi. Le sculture non sono più solo forme statiche, masse solide, opache, scolpite nella pietra o fuse nel bronzo. La scultura oggi può essere astratta, creata da oggetti diversi, in movimento, mutevoli nel tempo, o realizzata con materiali non convenzionali come la luce o gli ologrammi, come il lavoro del famoso artista Jame Turrel.
Le sculture possono essere caratterizzate in termini relativi come forme chiuse o aperte; una “forma chiusa” ha una struttura simile alla forma tradizionale, con una massa solida, opaca. Anche se gli spazi esistono all’interno della forma, sono contenuti e confinati e hanno un focus diretto verso l’interno sulla forma stessa, isolata dal suo ambiente. Mentre una “forma aperta” è trasparente, rivela la sua struttura e quindi ha un rapporto più fluido e dinamico con il suo ambiente.
Lo spazio negativo è una componente principale e ha una forza attivatrice di una scultura aperta. Pablo Picasso (1881-1973), Alexander Calder (1898-1976) e Julio González (1876-1942) sono alcuni degli artisti che hanno creato sculture aperte fatte di filo e altri materiali.
Il grande artista inglese Henry Moore (1898-1986) insieme a Barbara Hepworth (1903-1975) sono stati i due più importanti scultori britannici di arte moderna, ed entrambi hanno rivoluzionato la scultura creando per primi sculture biomorfe (bio = vita , morfico = forma).
Lo fece lei nel 1931 e lui nel 1932, osservando che “anche lo spazio può avere forma” e che “un buco può avere tanto significato nella sua forma quanto una massa solida”.
La forma nel disegno e nella pittura
Nel disegno e nella pittura, l’illusione di una forma tridimensionale viene trasmessa attraverso l’uso di luci e ombre e la rappresentazione di intensità e tonalità . La forma è definita dal contorno esterno di un oggetto, che è il modo in cui lo percepiamo per la prima volta e iniziamo a dargli un senso, ma la luce e le tonalità aiutano a dare forma e contesto all’oggetto nello spazio in modo da poterlo identificare completamente.
Ad esempio, supponendo che una singola fonte di luce illumini una sfera, il punto evidenziato è dove la fonte di luce colpisce direttamente, l’intensità intermedia è la tonalità centrale della sfera, dove la luce non colpisce direttamente, l’ombra centrale è l’area di la sfera in cui la luce non è affatto incidente ed è la parte più scura della sfera, l’ombra proiettata è l’area delle superfici circostanti in cui l’oggetto blocca la luce e l’illuminazione riflessa è la luce che viene riflessa nuovamente sull’oggetto, dagli oggetti e dalle superfici circostanti. Con questi giochi di luci e ombre, qualsiasi forma semplice può essere disegnata o dipinta per creare l’illusione di una forma tridimensionale.
Maggiore è il contrasto della tonalità , più pronunciata diventa la forma tridimensionale, con forme rese con una piccola variazione di tonalità che appaiono più piatte rispetto a quelle rese con un contrasto maggiore.
Storicamente, la pittura è passata da una rappresentazione piatta delle forme e dello spazio a una rappresentazione tridimensionale delle forme e dello spazio e all’astrazione. La pittura egizia era piatta, con la figura umana rappresentata frontalmente ma con la testa ei piedi di profilo. L’illusione della forma non si sviluppò fino al Rinascimento, con la scoperta della prospettiva. Artisti barocchi come Caravaggio (1571-1610) esplorarono la natura dello spazio, della luce e sperimentarono la forma tridimensionale attraverso l’uso del chiaroscuro, forti contrasti tra luce e buio. La rappresentazione della forma umana è quindi diventata molto più dinamica con il chiaroscuro e la prospettiva, conferendo alle forme un senso di solidità e peso, creando un potente senso di drammaticità.
Il modernismo ha permesso agli artisti di giocare con la forma in un modo più astratto. Artisti come Picasso, con l’invenzione del cubismo , ruppero con il formalismo che implicava l’associazione del movimento allo spazio e al tempo.
Un lavoro d’arte
Analizzando un’opera d’arte ci rendiamo conto che l’analisi è formale e indipendente dal suo contenuto o contesto. Un’analisi formale significa utilizzare gli elementi ei principi dell’arte per valutarne l’effetto visivo. L’analisi formale può rivelare decisioni nella sua composizione che aiutano a rafforzare il contenuto, l’essenza dell’opera, il significato e l’intenzione dell’artista, oltre a fornire indizi sul contesto storico.
Ad esempio, i sentimenti di mistero, paura e trascendenza evocati da alcune delle opere più importanti e durature del Rinascimento, come la Gioconda (Leonardo da Vinci, 1517), La creazione di Adamo (Michelangelo, 1512), L’ultimo Cena (Leonardo da Vinci, 1498) sono costituiti da diversi elementi e principi formali di composizione quali la linea, il colore, lo spazio, la forma, il contrasto, l’enfasi, l’effetto e la condizione senza tempo, che l’artista utilizza per creare il dipinto e che ne costituiscono il Senso.
Fonti
- Modulo , Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
- L’arte della scultura , Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
- Il buco della vita , Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
- Barbara Hepworth contro Henry Moore , CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
- Opere di Antoni Gaudi , http://whc.unesco.org/en/list/320
- Fondazione Henry Moore , https://www.henry-moore.org
- Barbara Hepworth , https://barbarahepworth.org.uk
- James Turrell , http://jamesturrell.com
